科学技術と共に歩む

☆発行前情報のため，一部変更となる場合がございます

「テクノロジーとともに音楽はこれからどのように形作られていくのか」
「今後，音楽で表現することの価値はこれからどうなっていくのか」

本書『音楽制作—プログラミング・数理・アート—」は，上記の問いに対しての回答の一つを模索するためのヒントになるのでは，と考えています。

最初にコンピュータを用いて音楽が作られて以降，これまで数十年掛けて音楽制作に関連するテクノロジーの進化が続いてきました。そして現在はある一定の成熟の域に達していて，音楽制作にも変化をもたらされています。

例えば，以前は作曲家の手掛けた楽譜を演奏者が専用のレコーディングスタジオで演奏し，備え付けの録音機材をスタジオエンジニアが操作して録音するのが主流でした。しかし，テクノロジーが進化した現在はそうした方法に加えて，個人のPC上でDAWやエフェクタープラグイン（いずれも本文にて解説），マイクなどを駆使して自宅で楽曲録音・ミキシングまで行う「宅録」という方法が定着しています。かつてはスタジオでしか使えなかった高価な音楽用のハードウェアの機材と同等の品質のものが，ミュージシャン自身が手に届く価格帯のソフトウェアやハードウェアとなったためです。安価になっただけではなく，音楽制作に関連するテクノロジーの用途も発達してきています。例えば，特定の楽器音の抽出，ボーカルのピッチ補正，サンプル音のストレッチといった，以前は研究所でしか扱わない技術が個人でも利用できるようになりました。

このあたりまでは音楽を創る主体が人間であり，その創作過程で主たる判断をするのが人間であることが前提となっているものです。しかし，ここ数年で生成系AI（以下，AI）を用いた音響処理や音楽制作支援，はたまた自律的な音楽制作といった話題を耳にする機会が多くなり，音楽制作の風景に少し変化がもたらされています。例えば

•人間が判断してミキシングやマスタリングの音響面の処理について操作していた部分を，AIが代替して処理を自動化するサービス。

•音楽（楽曲）の作曲や制作の代替にまで及び，AIによる自律的な音楽生成までを可能とするシステムとサービス。

といったものが実現して普及が始まっています。2024年11月現在はAIに「命令（プロンプト）」や「歌詞」を与えれば，それに応じた旋律や和音，リズム，歌声で構成された「音楽」の音響が短時間で複数，出力されるようになっています。近い将来に，例えばCM広告映像のための「…風の音楽」を得るのに，ミュージシャンや作曲家に依頼して音楽を制作してもらうプロセスが必要なくなるかもしれない，という未来予想は技術面にはかなり現実的になってきています。先走った思考では，人間の「作曲家」や「音楽アーティスト」は職業として存在し得るのだろうか，という懸念も耳にするようになっています。その場合，進化しきったミュージックテクノロジーはもはや人間が音楽を作るためには使われなくなるかもしれません。

これまでも歴史的に音楽とテクノロジーが密接に関係してきましたが，音楽を生み出す主体さえもが揺らぎ始めるいまほど，パラダイムシフトのエッジに身を置いている感覚を味わう機会はないのではないでしょうか。

音楽を商業的に「利用する」か，リスナーとして「聴く」か，ミュージシャンとして「創る」かなど，各々の立場の違いによって，音楽の捉え方が驚くほど違うことに気づかされます。それはおそらく，それぞれが音楽になにを求めて期待しているか，なにを拠り所としているかが非常に多様であるためでしょう。

音楽は「音に基づく，人間の積極的な表現および知覚活動のすべて」と定義される文化的産物である一方で，AIが含まれるようになってきている現状では，一種の中庸かつ混沌とした状態になっていると言えるのではないでしょうか。ゆえに冒頭の問いは避けられない種類のものとなるでしょう。

そんな中で，本書では少し立ち止まるような形でAIの登場以前から用いられてきた音楽制作のテクノロジーや手法，プログラミングでもって音楽や音響を作り出す手法，作曲や音列の生成を数理の面からとらえる分野，音を軸としたメディアアートなど，多岐に渡る分野についてそれぞれの世界観に基づいて解説されています。

いずれの章にも共通する要素は，特定の「表現」のための「音楽制作」について着目していること，テクノロジーと人間の一定のバランス感覚をもって共存して「音楽」「音響」を生み出すシステムに基づく「音楽制作」を論じていることです。いわば現在ホットな現象となっているAI，そのAIと音楽の関係から一歩引いて俯瞰して全体を眺めている感覚を有していると言い換えることができるかもしれません。

本書で扱うトピックは，AIを含めたテクノロジーの「技術面の最先端」とは定義できないかもしれませんが，人間が手の届く範囲での機械やテクノロジーとの調和の末の「表現の最先端」を模索していると言えるでしょう。その中身は思考と論理が渦巻いていますが，ブラックボックスではありません。

かつて，14～16世紀のヨーロッパ（おもにイタリア）において古代ギリシャ・ローマの文化を再評価し，個人の能力や知識を重視して「文芸復興」「文化再生」を掲げた「ルネッサンス」から芸術面で新たな波が起こったように，バランスの取れた音楽とテクノロジーの関係に眼差しを向けることは，音楽の表現の未来につながっていくものと信じています。

本書は以下のように構成されています。

1章「電子音楽制作環境とツールの変遷」では，電子音楽の制作における基本概念とそれを実現するシステムの原理について解説します。前半は市販の電子楽器やツールを例に挙げながら，音源部（シンセサイザ等）と制御部（シーケンサ）の歴史と技術面について解説します。後半では対照的にアンダーグラウンドなシーンで発展を遂げてきたツール「ミュージックトラッカー」がもたらしたもの，「楽譜を時系列で再生する」概念から離れた音楽制作を可能にするプログラミング環境PureDataについて，筆者の作品事例を示しながら述べます。

2章「ライブコンピュータ・エレクトロニクス」では，コンピュータを用いたライブ演奏であるライブコンピュータ・エレクトロニクスの概念と定義について述べることを出発点としています。作曲家ピエール・ブーレーズの作品例を通してリアルタイム・デジタル信号処理の技術面の解説，その後に登場したプログラミング環境Maxとそれを用いたコート・リッピの作品例について紹介していきます。最後に筆者によるアンドロイドを用いた作品をはじめ，現在の主要技術と実践について論じます。

3章「音響コンポジション」では，おもにプログラミング環境SuperColliderを用いた，コードによって直接的に音響を形作る作曲方法を「音響コンポジション」と定義し，実際のプログラミングコードを挙げながらその世界の概念について解説しています。後半は筆者による音響コンポジションに基づいた数多くの作品，携わった事例について紹介します。音響コンポジションの中で実現したいアイデアを，実際にコードの中でどのように記述するかの実践的ヒントが多数述べられています。

4章「ライブコーディング」では，PCでリアルタイムにコーディングをしながら音楽を作り上げていく音楽制作スタイル「ライブコーディング」について，その定義，成立の歴史と発展，コミュニティやオンラインのリソースなどの文化的醸成について紹介します。ライブコーディングの具体的なプログラミング言語やツール群について紹介したあと，代表的なライブコーディング環境であるTidal Cyclesについて，サンプルコードを用いて実践的に解説していきます。

5章「音楽語法と数理」では，コンピュータの登場によりさまざまなアルゴリズムや数理的手法が音楽の作曲に応用された際に，用いられた概念と論理について歴史をたどり実例を挙げながら解説します。調性音楽から無調音楽への移行，その後の12音技法とその延長としてのセリー主義音楽の数学的な思考へと至る歴史を概観し，ピッチクラス集合論と軸としたさまざまな数理の解説とポスト調性音楽の作曲の適用について数式と証明を用いながら説明します。作曲家ピエール・ブーレーズの作品群の根底を支えるブロック・ソノールといった数理を対象として，それをPythonのコードで表した事例も交えて数学的音楽理論の世界に案内していきます。

6章「メディアアートとミュージックテクノロジー」では，音楽とテクノロジー，センサーとロボット，メディアアートと作曲といったキーワードについて，筆者による多く作品事例を参照しながら，メディアアートとミュージックテクノロジーの世界を概観します。これらの作品群は「仮説」とそれに対する「解」という形で展開されてきたものと言えます。本章では，実際に作品に実装された技術やシステム，それに至るまでの試行錯誤の過程をつぶさに解説することにより，「デジタルアートへの音楽的アプローチ」という命題に対峙する様子が示されています。

本書は順番に章を読み進めても構いませんし，気になった章から読んでいくのでも構いません。

「音楽ができる状態は平和である」という言葉があります。テクノロジーと結びついた音楽制作という文化的な営みが今後も継続することを願いながら，その価値を見直す契機に本書がなれば幸いです。

2025年2月
編著者 松村誠一郎