科学技術と共に歩む

「テクノロジーとともに音楽はこれからどのように形作られていくのか」
「今後，音楽で表現することの価値はどうなっていくのか」

本書『音楽制作—プログラミング・数理・アート—」は，上記の問いに対しての回答を模索したものと考えています。

最初にコンピュータを用いて音楽が作られて以降，これまで数十年かけて音楽制作に関連するテクノロジーの進化が続いてきました。そして現在はある一定の成熟の域に達しており，音楽制作にも変化がもたらされています。

例えば，以前は作曲家の手掛けた楽譜を演奏者が専用のレコーディングスタジオで演奏し，録音機材をスタジオエンジニアが操作して録音/ミックスするのが主流でした。しかし，テクノロジーが進化した現在はそうした方法に加えて，個人のコンピュータ上でDAWやエフェクタプラグイン（1章にて解説），マイクなどを駆使して自宅で楽曲録音・ミキシングまで行う「宅録（自宅録音）」という方法が定着しています。かつてはスタジオでしか使えなかった高価な音楽用のハードウェアの機材と同等の品質のものが，ミュージシャン自身が手に届く価格帯のハードウェアやソフトウェアとなったためです。安価になっただけではなく，音楽制作に関連するテクノロジーの用途も発達してきています。例えば，特定の楽器音の抽出，ボーカルのピッチ補正，サンプル音の伸縮といった，以前は研究所でしか扱えなかった技術が個人でも利用できるようになりました。

このあたりまでは音楽を作る主体が人間であり，その創作過程で主たる判断をするのが人間であることが前提となっているものです。しかし，ここ数年で生成系AI（以下，AI）を用いた音響処理や音楽創作支援，はたまた自律的な音楽生成といった話題を耳にする機会が多くなり，音楽制作の風景そのものに少
し変化がもたらされています。例えば
•ミキシングやマスタリングの音響面の処理についてAIが代替して処理を自動化するサービス。
•AIによる音楽生成を可能とするシステムとサービス。
といったものが実現して普及が始まっています。2025年2月現在はAIに「命令（プロンプト）」や「歌詞」を与えれば，それに応じた旋律や和音，リズム，歌声で構成された「音楽の音響」が短時間で複数個，出力されるようになっています。例えばCM広告映像のための「…風の音楽」を得るのに，ミュージシャンや作曲家に依頼して音楽を制作してもらうプロセスが必要なくなるかもしれない，という未来予想は技術面ではかなり現実的になってきています。先走った思考として，人間の「作曲家」や「音楽アーティスト」は職業として存在し得るのだろうか，という懸念も耳にします。進化しきったミュージックテクノロジーの存在意義はもはや「人間が音楽を作るため」ではなくなるかもしれないというわけです。

これまでも歴史的に音楽とテクノロジーは密接な関係を保ってきました。しかし，音楽を生み出す主体がなにかさえもが揺らぎ始めている現在ほど，パラダイムシフトのエッジに私たちが身を置いている感覚を味わう機会はなかったのではないでしょうか。

音楽を商業的に「利用する」か，リスナーとして「聴く」か，ミュージシャンとして「創る」かなど，おのおのの立場の違いによって，音楽の捉え方は驚くほど違うことに気づかされます。それは音楽になにを求めて期待しているか，なにを拠り所としているかが非常に多様であるためでしょう。

音楽は「音に基づく，人間の積極的な表現および知覚活動のすべて」と定義される文化的産物である一方で，AIが台頭してきている現状では，一種の中庸かつ混沌とした状態になっているのではないでしょうか。ゆえに冒頭の問いは避けられないものとなるでしょう。

そんな中で，本書では少し立ち止まるような形でAIの登場以前から用いられてきた音楽制作のテクノロジーや手法，プログラミングで音楽や音響を作り出す手法，作曲や音列の生成を数理の面から捉える分野，音を軸としたメディアアートなど，多岐に渡る分野についてそれぞれの章の担当著者の視点と世界観に基づいて解説されています。

いずれの章にも共通する要素は，特定の「表現」のための「音楽制作」について着目していること，テクノロジーと人間の一定のバランス感覚を持って共存して「音楽」「音響」を生み出すシステムに基づく「音楽制作」を論じていることです。いわば現在ホットな現象となっているAI，そのAIと音楽の関係から一歩引いて俯瞰している感覚と言い換えることができるかもしれません。

本書で扱うトピックは，AIを含めたテクノロジーの「技術面の最先端」とは定義できないかもしれませんが，人間が手の届く範囲での機械やテクノロジーとの調和の末の「表現の最先端」を模索していると言えるでしょう。その中身は思考と論理が渦巻いていますが，ブラックボックスではありません。

かつて，14～16世紀のヨーロッパ（おもにイタリア）において古代ギリシャ・ローマの文化を再評価し，個人の能力や知識を重視して「文芸復興」「文化再生」を掲げた「ルネッサンス」から芸術面で新たな波が起こりました。同様にバランスの取れた音楽とテクノロジーの関係に眼差しを向けることは，音楽表現の未来につながっていくものと信じています。

本書は以下のように構成されています。

1章「電子音楽の制作ツール」では，電子音楽の制作における基本概念とそれを実現するシステムの原理について解説します。前半は市販の電子楽器やツールを例に挙げながら，音源部（シンセサイザなど）と制御部（シーケンサ）の歴史と技術面について解説します。後半では対照的にアンダーグラウンドなシーンで発展を遂げてきたツール「ミュージックトラッカー」がもたらしたもの，「楽譜を時系列で再生する」概念から離れた音楽制作を可能にするプログラミング環境Pure Dataについて，著者の作品事例を示しながら述べます。

2章「ライブコンピュータ・エレクトロニクス」では，コンピュータを用いたライブ演奏であるライブコンピュータ・エレクトロニクスの概念と定義について述べることを出発点としています。作曲家ピエール・ブーレーズの作品例を通してリアルタイム・デジタル信号処理の技術面の解説，その後に登場したプログラミング環境Maxとそれを用いたコート・リッピの作品例について紹介していきます。最後に著者によるアンドロイド（ロボティクス）を用いた作品をはじめ，現在の主要技術と実践について論じます。

3章「音響コンポジション」では，おもにプログラミング環境SuperColliderを用いた，プログラミングコードによって直接的に音響を形作る作曲方法を「音響コンポジション」と定義し，実際のプログラミングコードを挙げながらその世界の概念について解説しています。後半は著者による音響コンポジションに基づいた数多くの作品，携わった事例について紹介します。音響コンポジションの中で実現したいアイデアを，実際にコードの中でどのように記述するかの実践的ヒントが多数述べられています。

4章「ライブコーディング」では，コンピュータでリアルタイムにコーディングをしながら音楽を作り上げていく音楽制作スタイル「ライブコーディング」について，その定義，成立の歴史と発展，コミュニティやオンラインのリソースなどの文化的醸成について紹介します。ライブコーディングの具体的なプログラミング言語やツール群について紹介したあと，代表的なライブコーディング環境であるTidal Cyclesについて，サンプルコードを用いて実践的に解説していきます。

5章「作曲技法と数理」では，コンピュータの登場によりさまざまなアルゴリズムや数理的手法が音楽の作曲に応用された際に，用いられた概念と論理について歴史をたどり実例を挙げながら解説します。調性音楽から無調音楽への移行，その後の12音技法とその延長としてのセリー主義音楽の数学的な思考へと至る歴史を概観し，ピッチクラス集合論を軸としたさまざまな数理の解説とポスト調性音楽の作曲の適用について，数式と証明を用いながら説明します。作曲家ピエール・ブーレーズの作品群の根底を支えるブロックソノールといった数理を対象として，それをPythonのコードで表した事例も交えて数学的音楽理論の世界に案内していきます。

6章「メディアアートとミュージックテクノロジー」では，音楽とテクノロジー，センサとロボット，メディアアートと作曲といったキーワードについて，著者による多く作品事例を参照しながら，メディアアートとミュージックテクノロジーの世界を概観します。これらの作品群は「仮説」とそれに対する「解」という形で展開されてきたものと言えます。本章では，実際に作品に実装された技術やシステム，それに至るまでの試行錯誤の過程をつぶさに解説することにより，「デジタルアートへの音楽的アプローチ」という命題に対峙する様子が示されています。

本書は順番に章を読み進めても構いませんし，気になった章から読んでいくのでも構いません。テクノロジーと結びついた音楽制作という人間の文化的な営みが今後も継続することを願いながら，その価値を見直す契機に本書がなれば幸いです。

2025年2月
編著者 松村誠一郎